Mais bon, pour être franc, lors des premières écoutes, j’ai d’abord été atterré par l’incohérence de cet album, son manque de richesse, et ses mélodies funky (rahhh le funk, quelle horreur…).

Bon ok, à la base je ne suis pas un fan de hip-hop/funk déjà, ça aide pas forcement. Néanmoins, sur « Demon Days » le mélange des sonorités trip-hop, dub, et je ne sais quoi encore, tenait du génie. S’en était même bluffant. Ici, le côté alternatif est quasi-absent, écrasé par une vague de hip-hop et d’electro-funk que se partagent laborieusement les invités (bien trop nombreux si vous voulez mon avis). Si bien qu’au final, Plastic Beach se révèle être plus un simple gloubiboulga de featurings qui, je le redis, pètent toute la cohérence de l’album.

Pourtant, ça commence plutôt bien.

L’intro digne d’une B.O de film pose sobrement le décor, tandis qu’arrive Snoop Dog pour ouvrir le bal. Je ne peux pas blairer ce mec, mais le morceau s’avère plutôt cool avec son synthé uninote et planant en fond couplé à un beat réservé et chaleureux. On se dit « ok, c’est l’intro d’une œuvre de foufou je le sens ! »

« White Flag » se barre déjà beaucoup plus en sucette, une intro à faire pouffer de rire tellement la mélodie pourrait convenir à un nouvel épisode de Bambi, quoique en réalité j’ai plus eu l’impression d’écouter un titre de Vampire Weekend. Puis Kano, Bashy & co slament à cœur joie sur une mélodie composée à l’Ordi-Baby. Bon, passons…

Je continue, je continue, et plus j’avance dans l’album et plus je me dis « Moue, bon allez, là, le prochain morceau ça va dépoter ! » Sauf qu’on attend, on attend, et au final il n’y a rien qui sort vraiment du lot….Décevant.

Mais on rembobine. Là, on était trop nostalgique de « Demon Days ». « On reprend, on ouvre grand les oreilles, cet album est différent, va falloir s’y faire !« . On souffle un bon coup, on serre les fesses, et on recommence. Encore et encore. Et devinez quoi ? Au final, je serais pas dire si l’album est vraiment bon ou mauvais, mais il y a quand même un petit déclic qui s’opère à un moment donné et on découvre un ensemble d’arrangements et de détails qui donnent du corps à Plastic Beach.

L’album ne serait donc pas le reflet des détritus sur l’île abandonnée ? Possible.

Ce qui me redonne de l’espoir, c’est des titres comme « Rhinestone Eyes« , « Empire Ants » (la montée electro pour donner le chant à Little Dragon est franchement cool), ou « Broken » (quoique très inspiré de The Good, The Bad & The Queen), et même « Stylo » ! Quoique quand j’y repense, lorsque j’ai découvert ce dernier ma réaction a été directe : « C’est quoi cette bouse ?!« . Mais on s’y fait…. »On s’y fait ?! »….Bon ok, faut admettre qu’en réalité, c’est pas folichon tout ça, et que inconsciemment on se formate pour apprécier les morceaux plus qu’autre chose. Dur.

De plus, il y a des titres qui arrangent pas l’affaire ! Je pense notamment à « On Melancholy Hill« , fait sur commande par MGMT nan ? Franchement, Damon Albarn ! Non ! NON ! Vous voulez que je vous redonne des titres excellents en voilà : « Last Living Souls« , « Kids With Guns« , « O Green World« , « Dirty Harry« , « Feel Good Inc.« ….ah, mince ils sont tous sur Demon Days. C’est balo.

Heureusement qu’il y a de petites surprises pour se dire que Plastic Beach n’est pas totalement raté : « Some Kind Of Nature« , un morceau où on sent que Damon Albarn et Lou Reed se font plaisir, et « Plastic Beach » feat Mick Jones et Paul Simonon, morceau souvent descendu par les critiques et que je trouve pourtant assez génial, au moins le morceau est fait de quelque chose, il y a une ambiance pensée derrière. Ok les chants sont un peu agaçants, mais tout de même.

C’est marrant car il y avait une rumeur comme quoi l’album qui circulait sur le net avant sa sortie était un gros fake généralisé. Rumeur éteinte depuis la vraie parution bien sûr. Mais c’est étrange. Les gens désespérés de voir l’album aussi peu convaincant inventent carrément toute une histoire dans l’espoir de voir apparaitre le vrai album par la suite…Nan ! Plastic Beach est une déception générale, il faut bien l’avouer. Celui qui dira le contraire reste, à mon sens, aveuglé par le nom « Gorillaz« …. Mais un nom ne fait pas tout, prenez U2 par exemple….bon, hein ! On a vite compris !

Ce qui est dommage aussi, c’est que le côté assez…underground des 2 premiers album a été pour ainsi dire remercié, au profit d’un ton nettement plus funky. Alors ceux qui adorent ça, tant mieux pour vous. Pour tous les autres, je pense que vous pouvez laisser Plastic Beach prendre la poussière…

On peut saluer quand même le fait qu’on ne nous ai pas servi un album trop copié/collé des 2 premiers, chose qui aurait satisfait pas mal de monde certes, mais sans réelle inventivité.

Ici, Damon Albarn et ses potes ont cherché à créer un truc génial, ça se sent. Mais ils ont eu du mal à parvenir à leurs fins, et ça aussi ça se sent ! Dommage.

L’album est dispo sur Spotify…..(et les 2 albums d’avant aussi, si vous voulez vous rappeler à quel point c’était bon avant…).

A quand un portrait de Paul Simonon ?…

J’avoue être un peu déçu après avoir écouté ça. Cela dit je pense qu’il faut aussi que je me remette dans le trip Gorillaz, ça fait un bail que j’ai pas écouté les 2 albums précédents !

Quoi qu »il en soit, pour le télécharger ou l’écouter, ça se passe par ici ou par là. Sinon vous pouvez aussi contempler quelques vidéos trailer sur youtube ou sur le site officiel du groupe.

Et au cas où vous ne le sauriez pas, beaucoup d’artistes ont collaboré avec Gorillaz sur cet album, on retrouve ainsi les noms de Snoop Dog(gy dog), Mos Def, De La Soul, Gruff Rhys, et des noms plus sérieux : Lou Reed et Paul Simonon (qui, rappelons-le, avait déjà suivi Albarn lors de The Good, The Bad & The Queen).

Voici donc une vidéo complètement cramée et pixelisée mais légitimée par la date de l’enregistrement. Nous sommes en 1974, Lou Reed fait sa tournée Rock’n'Roll Animal (ce qu’il a fait de mieux durant toute sa carrière). Voici « Sweet Jane« .

ps : il manque un guitariste, le synthé est beaucoup trop fort, et l’intro ai nettement moins bien que sur l’album, aussi je vous conseille donc de skipper direct à 1min50. Mais à part ça, ça dépote mes enfants !

Lou Reed ! Quelle figure ! « Standing on the corner ! A suitcase in my hand !…« 

Derrière ce nom si charismatique se trouvent 5 titres (7 dans la version cd remasterisée de 2000) enregistrés en live le 21 décembre 1973 à New York. Seulement 5 morceaux vous allez me dire ?! Attention au blasphème bande de jeunes sacripants ! (sacripants ouai ! tout à fait !) car il s’agit là de morceaux emblématiques du Velvet Underground et de Lou Reed, portés à un tout autre niveau que ce que nous offre les versions studios (déjà excellentes).

A cette époque, Lou Reed vient de sortir deux de ces meilleurs albums solo : Transformer et Berlin. Le Rock’n'Roll Animal sort un an après ce dernier et illustre les concerts absolument grandioses de la tournée.

En outre, Lou Reed ne fait pas dans la demi-mesure et empreinte 2 guitaristes d’Alice Cooper : Dick Wagner et Steve Hunter, qui à eux 2, vont donner un ton complètement différent aux compositions originales des morceaux. Alternant période Velvet (« Sweet Jane« , « Heroin », « White Light/White Heat« , « Rock’n'Roll« ) et Lou Reed en solo (« How Do You Think It Feels« , « Caroline Says I », et « Lady Day« ), la prestation se retrouve vraiment embellie et je peux vous dire qu’on reste pas de marbre après avoir écouté tout ça !

Le concert commence avec une intro de 3 minutes qui frappe par la complémentarité stupéfiante des 2 guitaristes. Franchement je dois avouer que j’ai rarement entendu un jeu qui se combinait aussi bien, à part peut-être chez Boston.  Bon il y a d’autres duos de folie, comme Keith Richards/Ron Wood par exemple, mais c’est vraiment pas pareil. Surtout que cette synergie entre Wagner et Hunter opère tout au long de l’album.

Bref, l’intro donne le ton : un rock puissant, inventif, acéré et…rahh, du ROCK, tout simplement ! Intro qui laisse la place à un « Sweet Jane » aux accords simples mais tellement efficaces. Rarement ces accords ont eu l’occasion d’être autant mis en avant, ça vous prend aux tripes, et avec le chant/parlé de Lou Reed, on se dit que c’est vraiment ça le rock’n’roll.

On est qu’à un titre, et on est loin des surprises. « Heroin« . LE morceau du Velvet Underground par excellence, interprété ici de façon magistrale (comme tous les titres de l’album donc je vais un peu arrêter avec les éloges ) et surtout bien différent de la version figurant sur le Velvet Underground & Nico.

La chanson est complètement retravaillée, si bien qu’on croirait découvrir un nouveau morceau (ça aussi, c’est un peu le cas pour tous les titres ). La guitare au son simple et brut de Lou Reed est remplacée par un son auréolé d’un peu de delay/chorus et des guitares qui s’enflamment littéralement lors du refrain. C’est juste sublime. Le violon lancinant n’est plus là aussi, seul le chant mélancolique de Lou Reed transmet une émotion toujours aussi troublante.

Aussi, ça fait tellement plaisir d’entendre Lou Reed y mettre toute sa hargne tout au long de l’album, en particulier sur des titres comme « Caroline Says I » ou « White Light/White Heat » qui à la base sont fondés sur une mélodie beaucoup plus morne.

Une chose qui fait aussi que cet album sonne différent par rapport aux albums studios, c’est la présence du synthé, tenu par Ray Colcord, qui donne une atmosphère très spirituelle à cette œuvre. A ce que je me souviens, il y a juste le titre « What Goes On » qui détient à peu près ce même son d’orgue/synthé sur l’album éponyme du Velvet Underground.

Une chose est indéniable, c’est qu’il s’agit d’une des plus belles réussites de Lou Reed. Avec cet album, il nous a offert quelque chose de différent, quelque chose qui nous fascine, qui nous agite, qui nous passionne….

Que dire pour vraiment conclure… Disons que si vous voulez que vos oreilles écoutent l’effervescence du rock’n'roll dans toute sa splendeur, vous devrez forcement passer par cet album surexcitant.

ps : vu que je commence à me lancer dans les vinyles, il est fort probable que cette chronique soit renommée : « le vinyle n’est pas mort »